في أواخر القرن الثامن عشر انبثق شكل جديد من الفن إلى حيز الوجود
يشبه أحلامنا
الأفلام اليوم تمثل البلايين من الدولارات التي تجنيها صناعة الترفيه العالمية
لكن ما يحرك الأفلام ليس شباك التذاكر أو عالم الأعمال والترفيه
إنه الشغف و الإبداع
لذلك دعونا ننطلق نحو العالم للبحث عن هذا الابداع بأنفسنا
لنكتشف هذا الرجل "ستانلي دونين"
الذي صنع فيلم Singing in the Rain.
"و "جين كامبيون في أستراليا
و أفلام كيوكو كاغاوا
و التي مثلت في أعظم الأفلام التي صنعت على الإطلاق
"و "أميتاب باتشان الممثل الأكثر شهرة في العالم
"وأفلام "مارتن سكورسيزي "و "سبايك لي
لار فون ترييه و أكيرا كوروساوا
أهلا بكم في "حكاية الأفلام: ملحمة أوديسية"
حكاية ملحمية للإبتكار , خلال 12 عقد
6قارات , وآلاف الأفلام
في هذا الفصل نلتقي بالمخرج اللامع سيرجي آيزنشتاين
واكتشاف أمجاد الأفلام اليابانية في الثلاثينيات.
يا لها من سنوات رائعة للسينما كانت ما بين العشرينيات وأوائل الثلاثينيات.
كانت السينما الترفيهية الأكثر لمعاناً.
لا زال المخرجين المتمردين حول العالم , حتى الآن , يتحدِّون بريقها
هذه المعركة على روحية السينما جعلتها رائعة.
على سبيل الترفيه، في العشرينات ..
و في السينما الرومانسية , بدا الناس هكذا
إضاءة خافتة
تركيز ضحل.
مكياج
تخيُّل
لكن ، كما رأينا ، بعض من المتمردين الأوائل
كانوا المخرجين الواقعيين العظماء ، في مشهد كهذا ،
تمّ تنقية السينما الرئيسية من خيالها ،
لمعانها ، حتى مكياجها.
لكن هذه كانت فقط بداية الثورة
ضد السينما الرومانسية في تلك السنين .
حول العالم، سبع مجموعات أخرى من المتمردين
رأوا في فيلم القرن العشرين , سُبُلاً
غير جديرة للإرتقاء للمستوى الذي يحب أن تكون عليه .
الفيلم كان مختبرهم
مجد العشرينات وأوائل الثلاثينيات للسينما
كانت نتيجة هواجسهم, وأفكارهم ومجتمعاتهم.
بعد ثورة الواقعيين ، التحدي الثاني
للسينما التقليدية في العشرينات, أتى من هذا الرجل ، (إرنست لوبيتش).
في البداية كان يمثل في الأفلام . يظهر كغاوٍ أحمق.
يمثل بصورة مبالغ فيها, تقريباً كمراهق.
في الأفلام التي أخرجها, سخر من المتشددون,
على الطريقة الفيكتورية , حيث الحب و الجنس
تم عرضهما في الأفلام, مبتكراً
أسلوبًا خاصًا به.
هذا المشهد من فيلمه الأول The Oyster Princess
يظهر سخرية لوبيتش , من خلال لهجة حادة.
الرأسمالي يدخن سيجارا سمينا يبعث على السخرية.
لديه جيش من كُتّاب الاختزال.
و بالطبع مساعديه كلهم , من البشرة السوداء .
قليلين هم المخرجين العالميين
الذين كان يملكون جرأة (لوبيتش)
The Mountain Cat في هذا الفيلم ، ، [ Die Bergkatze ]
فتاة تقع في حب ضابط, فيعطيها قلبه.
فتأكله .
تبعث الروح برجال الثلج , و يعزفون الموسيقى
الفيلم عبارة عن حالة من العصيان لتصميم إنتاج سريالي
أكثر جرأة في اخفاء الشاشة.
مثل هذه البراعة , لاحظتها هوليوود بالطبع ،
The Mountain Cat كان فيلم (لوبيتش) الأخير
قبيل مغادرته هوليوود .
كانت الرقابة الأمريكية تعني أن على لوبيتش أن يكون مبدعًا
في كيفية تصويره للجنس هناك
انظر إلى هذا المشهد من فيلمه الأمريكي الناجح بشكل كبير
The Marriage Circle.
طبيب نفسي وزوجته يتناولان الإفطار.
نرى صورة مقربة لبيضة ، ثم فنجان قهوة.
تحرك قهوتها.
ثم تختفي يده ، ثم يدها.
يتم ابعاد الإفطار جانبًا.
لقد تجاوزتهم الرغبة الملحة أكثر من رغبتهم في تناول الطعام.
لا يصوّر لوبيتش شيئًا عن علاقتهم العاطفية بالطبع ،
لكن استخدامه للأشياء ، هو متكافئ سينمائي
لا يعلو عن الحاجب الرقابي، وأكثر جرأة
في اقتراحه للجنس أكثر من تشابلن أو كيتون أو لويد.
استمر لوبيتش في إنتاج المزيد من الأعمال الكوميدية البراقة في أمريكا
Paramount في الثلاثينيات والأربعينيات ، وأدار استوديو
بيلي وايلدر ، الذي قدم Double Indemnity و Some like it Hot ،
علّق لافتة على جدار مكتبه مكتوب عليها : " كيف استطاع لوبيتش أن يفعلها ؟ "
حيث كان لوبيتش خلّاقاً في فيلم الكوميديا ​​،
جاءت الهجمة الثالثة على مؤتمرات سينما العشرينات
من هذه المدينة ، باريس.
تأثر الأخوان لوميير الرائدان
من قبل الرسامين الانطباعيين.
Germaine Dulac و الآن صانعي الأفلام أمثال ,Abel Gance و Marcel L'Herbier
يستخدمون السينما بطريقة انطباعية أيضًا.
مثل هذا: عيوننا المضطربة تتجول ، تتفحص ، لا تنقطع.
يظهر هذا كيف أنّ الناس يرون الأشياء في الواقع
وكيف تتكرر الصور الذهنية وتومض.
La Roue فيلم هو عمل انطباعي عظيم.
بغرابة يبدأ بصور كاتبه ومنتجه ومخرجه ،
(آبيل غانس).
ثم يحكي قصة مثلث الحب المعقد.
أحد الرجال في المثلث يسقط من منحدر.
المرأة التي يحبها تجري لإنقاذه.
نشعر بالخوف عليه.
ولكن بعد ذلك ، يجعل خوفه صور
حبيبته, تومض في عينه الداخلية.
نحن داخل مخيّلته .
شاشة الفيلم تحوّلت الى داخل عين البطل
السينما الرومنسية فيها الكثير من التشويق طبعاً ,
ولكن يجب أن تكون سهلة القراءة دائمًا.
هنا ، بعض لقطات غانس في إطارٍ واحدٍ فقط.
سريعة جدًا بالنسبة لنا لأخذهنّ واحدةً تلو الأخرى.
يعود بنا بالزمن الى الوراء ، مما يمنحنا انطباعًا عن لحظاته الأخيرة.
الشاعر و صانع الافلام (جان كوكتو) قال لاحقاً
" La Roue هناك سينما قبل وبعد ،
مثلما توجد لوحة قبل بيكاسو وبعده."
المخرجون السوفييت (فسيفولود بودوفكين) ، (سيرجي م. آيزنشتاين)
و (ألكسندر دوفجينكو) , درسوا السينما في موسكو.
لكن (جانس) لم يبلغ القمّة بعد.
في السنوات الأربع التالية ، كتب وأخرج وحرّر
فيلمًا انطباعيًا مدته 4 ساعات عن الحياة السابقة
لنابليون بونابرت ، الثوري الفرنسي
والزعيم الوطني والعسكري.
مصوّراً شخصيته الرئيسية كبطل تراجيدي,
وجعل السينما الرومانسية السائدة تبدو ساكنة بالمقارنة مع غيرها.
لتصوير ديناميكية الرجل ، ومعاركه بالأيدي
وعلى الجياد , وقيادته لتلك المعارك ضد العواصف في البحر ،
أعاد غانس النظر في علاقة الكاميرا بالحركة.
كان لدى (غانس) إسفنجة مغطاة بالفراء
مثبتة حول العدسة حتى يتمكن الممثلين
من اللكم عليها دون التعرض للأذى.
نابليون في المشاهد الأولى لـ ، عندما كان شابًا في كورسيكا ،
قام جانس بتوصيل كاميرا تعمل بالهواء المضغوط ,
بسرج حصان لالتقاط طاقة بونابرت الحركية.
كيف يمكن أن يبلغ جانس مثل هذه الديناميكية في ذروة الفيلم
عندما دخل نابليون إيطاليا ،في فشل الفيلم في إدانته في إنتزاعه الأرض ؟
كيف سيتفوق على الصور الملحمية
و الطواقم الكبرى Cabiria في فيلم Pastroneلـ
ولـ (د. غريفيث) ، في فيلم التي سبقته ؟ Intolerance
هذا هو الجواب .
قام بالتصوير بثلاث كاميرات مثبتة فوق بعضها البعض ،
كل منها يشير في اتجاه مختلف قليلاً.
كان على المشاهدين أن يديروا برؤوسهم لمشاهدة المشهد كاملاً.
كان العرض العالمي الأول لفيلم هنا Napoleon ,
في دار الاوبرا في باريس.
قالت عنه صحيفة لوس انجلس تايمز " أنه المعيار لباقي الأفلام "
ولكن ، على الرغم من هذه الإشادة ، لم يتم عرضه بشكل متكرر.
في عام 1979 ، بعد معارضة شرسة
من قبل المؤرخ البريطاني كيفن براونلو ،
Napoleon تم عرض من موقع المنتصر هنا ،
في مهرجان تيلورايد السينمائي في كولورادو.
كانت هذه هي المرة الأخيرة , التي يرى فيها تحفته من الأفلام الإنطباعية .
و مشاهدة فيلمه , من غرفة الفندق المقابلة لصالة العرض
كانت هذه هي المرة الأخيرة , التي يرى فيها تحفته للأفلام الإنطباعية .
في ألمانيا في أواخر العشرينيات من القرن الماضي ،
ظهر التحدي المبتكر الرابع للسينما الرومانسية السائدة.
أراد المخرجون إظهار جوانب أعمق للعقل البشري
من الانطباعية الفرنسية لهابيل جانس.
متأثرين ممّا يسمّون بالرسامين التعبيريين
ومصممي المسرح ، الذين كانت أعمالهم حادّة مثل المرآة المكسورة ،
بدأوا في صنع الأفلام التعبيرية.
تم تصنيع أقل من 30 قطعة فنية ،
ولكن تم تصديرها إلى جميع أنحاء العالم.
كانت ألمانيا قد هُزمت للتو في حرب مروعة ،
ولكن نظرًا لإغلاق حدودها أمام الأفلام الأجنبية في عام 1916 ،
قرّروا تحفيز صناعة السينما المحلية.
اكثر الافلام التعبيرية تأثيراً
كان هذا الفيلم, The Cabinet of Dr. Caligari.
من إخراج (روبرت فين) ،
والذي تم صنعه قبل أول فيلم لـ "تشابلن" ،
.أو تولي الإمبراطور هيروهيتو الحكم في اليابان.
كان مليئاً بالخوف, وجرائم القتل المؤرقة, وغرف الرسوم.
حيث قام صانعو الأفلام داخل الاستوديو ، مع القليل من ضوء النهار ،
وفعل الاسكندنافيون العكس ،
(Wiene) وجد المخرج وكبير المصممين (هيرمان وورم)
الطريق للحركة الثورية الثالثة .
لقد غمروا مواقع التصوير بالضوء المسطح
ثم رسموا الظلال مباشرة على الجدران والأرضية.
سيزار ، وهو رجل منوّم ،
يقوم بقتل أعداء سيده ، الدكتور كاليجاري ، في الليل.
كان لهذه القصة ميزة سياسية.
يمثل كاليجاري الدولة الألمانية المسيطرة.
يمثل سيزار الناس العاديين ، الذين تم التلاعب بهم من قِبَله.
لكن المخرج (واين) ومنتجه (إريك بومر)
أزالا الرسالة السياسية للفيلم بإضافة هذه النهاية
التي أظهرت أن الأمر برمته كان حلم رجل مجنون (فيهر)
وأن الدكتور كاليجاري ليس شريرًا على الإطلاق
وأن الدولة الألمانية لا تتحكم في شعبها.
Babelsberg تم تصوير الفيلم هنا ، في استوديو بالقرب من برلين.
نقلت الصور الغريبة للفيلم, مسألة وجهة النظر في السينما
أبعد من الانطباعيين الفرنسيين.
تتقطّع مشاهد الفيلم كشظايا زجاج.
وأظهرت الإضاءة المزعجة ,الحالة العقلية القصوى لـ(فيهر).
ترددت أصداء (كاليجاري) طوال سنوات.
هذا الفيلم لـ(تشارلز كلاين) The Tell Tale Heart,
يظهر تأثيره المباشر.
قدم المخرج البريطاني الفريد (ألفريد هيتشكوك)
الذي عمل في ألمانيا ، أولى أفلامه المهمة The Lodger
مع بعض الظلال والهستيريا المستوحاة .Caligari من فيلم
لكن النتيجة الأكثر إثارة للدهشة لـ The Cabinet of Dr. Caligari
جاءت من اليابان في أوائل العشرينات.
الفنان التشكيلي (تينوسوكو كينوغازا) , شاهد التحفة La Roue السابقة الى جانب فيلم
ل (آبيل اغانس) , ليقوم بصناعة هذا الفيلم A Page of Madness.
هذا هو مشهد الإفتتاحية .
عاصفة.
ملجأ .
تركيبات مرئية ، قص سريع كما في La Roue .
Deco Art امرأة ترقص على طريقة . (فن زخرفي ساد في العشرينيات)
المرأة في الملجأ
في ذكريات ماضيها المعقد ، نكتشف
أنها حاولت إغراق طفلها.
حصل زوجها على وظيفة في المصح لمحاولة مساعدتها
لكن حالته العقلية تتدهور أيضًا.
A Page of Madness تخطى حالة فيلم (كاليجاري)
لأنه ليس وحده من يملك الشخصية الرئيسية المريضة نفسياَ ،
بل الفيلم نفسه , و طريقة تحريره وتصويره, مختلّ عقلياً.
A Page of Madness
يجمع بين تقنيات السينما الانطباعية العابرة ،
مع القلق العميق من السينما التعبيرية ،
وهو ثاني أعظم فيلم ياباني , بعد فيلم Souls on the Road .
بالعودة إلى ألمانيا ، بدأ (فريتز لانغ) ، الابن الفييني لمهندس معماري ،
في صنع أفلام عن البنية العميقة للمجتمع
بدلاً من الادعاءات السطحية التي تصنعها لنفسها.
أنتج (لانغ) الفيلم الأكثر شهرة في عصر السينما الصامتة ،
وهو فيلم لربما صُنِعَ من قِبَل مهندس معماري.
Metropolis تمّ إعادة عرضه سنة 2000
يروي قصة النزاع بين العمّال
وصناعي استبدادي في مدينة عملاقة.
تظهر مدينة نيويورك الخيالية
الطرق والسكك الحديدية في الأعلى.
لقطات نموذجية رائعة.
امرأة شابة ، ماريا ، تلهم العمال
أشبه الى المسيح تقريبًا ، لكن الرئيس الصناعي يصنع إنسانًا آليًا
يشبهها , و ذلك للتلاعب بالجماهير.
الروبوت عبارة عن تمثال زخرفي ، مضاء بأضواء وامضة ،
مؤطر بشكل متماثل.
فتحات عيون المرأة المذهلة ، معززة بالمكياج.
لكن في النهاية ماريا وابن رئيس الصناعيين
أنقذوا المدينة ، واتّحد العمال والملاك.
في مشهد يبدو أنه يصوّر على درجات كاتدرائية
كانت مناظر مدينة (لانغ), والروبوتات. والاستغلال, والجنة الحضارية
ذات تأثير عميق.
المخرج الهوليوودي (كينغ فيدور) , أحبّ فيلم (Metropolis)
و نتيجة لذلك ,ظهرت أصداء تعبيرية لها في فيلم The Crowd .
Metropolisأُعجِب أدولف هتلر بـ .
و تمّت مقارنته بمسعكر المعتقلات النازية (ماتهاوزن),
من خلا ل المنحدر الذي بنوه , و المقتبس فكرته Metropolis من فيلم
Metropolis تمّ تصوير فيلم هنا لمدّة سنة و نصف
باستخدام 2 مليون لقطة من الفيلم و 36000 لقطة ملحق إضافي.
المدن كانت من الأشياء المخيفة في العشرينيات , لكنها كانت شاعرية أيضاً
في هذه التحفة التعبيرية من فيلم, Sunrise,
رجل و زوجته يتمشيّان بين العالم سويّةً
يحتضنان بعضهما البعض , غير آبهين
بالزحمة حولهما .
المدينة تتحوّل الى طبيعة
ثم تتعود الى الشكل الذي كانت عليه
لتظهر البهجة بشكل تراجيدي
في مقلب آخر من المدينة ، تظهر الزوجة و كأنها تغرق في بحيرة.
متغلّباً على حزنه , الرجل يقوم بخلق فوضى في المدينة
المرأة تحاول إغوائه
تقوم بعرض رؤى من الأضواء المشعّة , و الرقص ,
هي مثال للشراهة
Sunrise تمّ صناعة فيلم على يد المخرج الألماني (ف.و. مورنو),
واحد من أعظم الخرجين الذين مرّوا.
هذا هو , الرجل الطويل الذي يظر أقصى يمن الشاشة
Sunriseيرقص في فيلم .
يبدو محرجًا وخجولًا بعض الشيء ،
كما يفعل بالحياة الواقعية .
هنا حيث يقطُن .
على الرغم من ذلك , صنع (مورناو) الفيلم فعلياً في هوليوود.
على غير العادة ، أعطِيَت له كامل الحرية للقيام بذلك.
تم بناء هذه المدينة العملاقة.
وحققت أقصى استفادة من تأثيرات الإضاءة الخفية المتوفرة في هوليوود.
المتوفرة في هوليوود.
في النهاية تصبح المرأة ، رمز الحداثة والجشع
لتترك قصة الرجل والزوجة كلوحة رومانسية ألمانية.
إختير فيلمSunrise كأفضل فيلم في التاريخ من قبل النقّاد الفرنسيين.
اعتبر الشعراء الواقعيون الفرنسيون في الثلاثينيات, أن (مورناو) هو زعيمهم.
بدا و كأنه يرى ما في قلب الإنسان أكثر من المخرجين الآخرين,
ويحوّله الى لوحة بصرية مؤلمة .
مات (مورنو) في حادث سيارة في كاليفورنيا عام 1931
هذا هو قناع موته
في كلّ من فرنسا و ألمانيا , في عشرينيات القرن الماضي
أصبحت الأفلام من الأشياء المألوفة فكرياً.
كان هنالك حملة من الغضب على المدارس الفنية
ولذا فليس من المستغرب أن الفنانين التجريبيين وصانعي الأفلام
دفعوا بالأفلام بعيدًا عن معايير هوليوود
أكثر من التعبيرية الألمانية.
كانوا المجموعة الخامسة من المتمردين الذين يتحدون السينما التقليدية
في العشرينات والثلاثينيات.
Opus 1 فيلم (والتر روتنام) يبدو و كأنه مادة الأحياء
قام بالرسم على الزجاج, وتصوير النتيجة,
ثم مسح الطلاء المبلل وإضافة المزيد, والتصوير مرة أخرى.
واحدة من أولى الرسوم المتحركة المجردة.
كانت الدادائية حركة فنية قائمة على السخرية والفوضى والكوميديا.
في عام 1924 ، كلفت الدادائية ، (فرانسيس بيكابيا) ، Entr'act في صنع هذا الفيلم ،
للعب في الفاصل الزمني كالباليه.
الصحفي السابق (رينيه كلير) , الذي ابتكرها
وضع الكاميرا في أماكن لا يمكن أن يحلم بها
سوى الباليه التقليدي.
مباشرة تحت الراقصة ، أو عند فوهة مدفع متحرك.
يقول (بيكابيا) عن النتيجة,
"إنها لا تراعي شيئًا سوى الرغبة في الضحك".
نبقى في فرنسا , حيث قدّم البرازيلي, Alberto Cavalcanti,
تجربة فيلمه المؤلمة .
كان الأمر يتعلق برؤية مدينة ، وحياتها العادية ،
وقوة الصورة على البوح والتأثير.
بعد ما يقارب الـ 20 عامًا ، استخدم السريالي (سلفادور دالي)
صوره لعيون متعددة ، في تسلسل من الأحلام
Spellbound صممه لفيلم ألفريد هيتشكوك .
يبدو أنه بيت للمقامرة.
لكن لم يكن هناك أي جدران ، فقط الكثير من الستائر
مرسوم عليها عيون.
بالعودة الى العام 1926 ، أمضى (دالي) ثلاث سنوات في الحديث عن الأحلام والرغبات
مع (لويس بونويل) ، الابن الإسباني لأحد مُلّاكي الأراضي.
مُلهمَين بالنقاش , قاما بكتابة السيناريو
, Un Chien Andalou فيلم و بإخراج من (بونويل)
يبدأ الفيلم بمشهد لـ (بونويل) وهو يدخّن
لديه موس حلاقة
يرى سحابة تمرّ بجانب القمر
فيتخيّله مشهد آخر
لشفرة تقطع عين امرأة
حالة صادمة من الترابط.
تحاول إظهار كيفية عمل اللاوعي.
ثم برجل, يلبس ثياب نسوية , يقع عن الدراجة
يحمل صندوقًا.
ها هو الصندوق
يظهر رجل امام الإمرأة , التي جرحت عينها
يأتي النمل حول يدي الرجل
ثم يذوب المشهد ليصوّر لنا إبط امرأة , و قنفذ البحر
هذه مشاهد الثلاثة هي من حالة الترابط الصادم
الثقوب والشعر وربما الإثارة والخوف من الجنس.
كانت هذه طريقة مبتكرة للغاية في تحرير الفيلم.
Un Chien Andalou كان لـ تأثير مباشر
على العديد من الأفلام اللاحقة بما في ذلك فيلم للمخرج ديفيد لينش Blue Velvet
وخاصة هذا الاكتشاف المثير الغريب لأذن مغطاة بالنمل.
L'Age d'or فيلم بونويل االتالي ، مدته الطويلة , جعلته صادماً
رجل و إمرأة يقيمون علاقة في الوحل
حشد من البرجوازيين ورجال الدين يحاولون ابعادهم.
ثم يتوهّم الرجل برؤية صورة المرأة في الحمام
و كأن ورق الحمام يشتعل
لتذوب بعدها الصورة في الحمم البركانية
ثم نعود الى صورة الرجل .
تم عرض الفيلم للمرة الاولى هنا , في الثالث من ديسمبر من العام 1930
ألقى أعضاء رابطة الوطنيين الفاشية بالحبر على الشاشة
وهاجموا الجمهور.
أطلقت عليه صحيفة إسبانية اسم "السم الجديد
الذي تريد اليهودية والماسونية استخدامه
لإفساد الناس".
تمّ منع توزيعه لمدة 50 عاما.
L'Age d'or إذا كان بونويل و رفضا محتوى
السينما الرومانسية ، فإن المجموعة السادسة من المعارضين
رفضت شكلها تمامًا.
كانوا الأكثر هوسًا منهم جميعًا.
خلال ثورتين ، اندفعت روسيا
إلى ما اعتقدت أنه الحداثة.
محاولةً جعل المجتمع أكثر تساوٍ , الى جانب إزالة التفاوت مع الطبقة الحاكمة السابقة
جاعلةً الحياة هي المحور التي تدور حوله.
واحد من أبناء الثورة ، (دزيغا فيرتوف) ،
و الذي ارتفعت أسهم اسمه ، هو من صنع هذا الفيلم الإخباري.
الكاميرا المعلقة بالقطار ، تصوّر عمل الفلاحين.
يقول الزعيم الجديد للإتحاد السوفياتي فلاديمير لينين
" من كل الفنون الموجودة , السينما هي الأهم بالنسبة لنا "
خذ نظرة حول سيرجي آيزنشتاين ، حيث كان فنّه الأكثر إبداعًا.
هذا هو فيلمه الأول
أداء الممثلين ، بمواجهة الكاميرا.
كان آيزنشتاين من أكثر الشخصيات تعقيدًا في قصة الفيلم.
لكنه كان ماركسياً من الناحية الخارجية
و مهندساً أيضاً.
و في بعض الأحيان مسيحياً .
و يهودي .
و ثنائي الجنس .
صنع هذا الفيلم عن تمرد على متن سفينة حربية.
أنصار المتمردين على البرّ يأتون لتقديم تحياتهم.
ليقوم بعدها الجيش بفتح النيران عليهم
يسأل آيزنشتاين نفسه كيف يمكنه إظهار فظاعة جرائم القتل.
يقال أن الفكرة أتته و هو يأكل الكرز, فرمى الحصرم على الدرج
حتى بدأت تتدحرج
كان يعتقد أن هذه الدحرجة هي نظرة
لتأسيس مجتمع جديد
قرر آيزنشتاين تصوير جريمة القتل على نفس نطاق هذه المرحلة.
كان يُسقِط القتلى على الدرج.
درس تكنولوجيا زرع الألغام الأرضية ولذا قال إنه بحاجة
إلى لحظة لتفجير الجريمة
هذا ما توصل إليه.
لقطة ضخمة
ثلاث لقطات سريعة لنساء ترتجّ رؤوسهنّ
مظلّة
لقطة سقوط بكاميرا محمولة باليد.
الكاميرا على عربة متحركة خلف السلالم
تدوم اللقطات ، بمعدّل ​​، 3 ثوانٍ فقط.
في السينما الأمريكية في العشرينات ، كان متوسط ​​اللقطات 5 ثوان ،
أما في ألمانيا كانت 9 ثوانٍ.
آيزنشتاين يصوّر هذا الفتى , ويطلب من السقوط .
الفتى كان في الواقع , حارس مرمى لذلك كان متمرّساً في السقوط
تدركه والدته
تأخر ردة فعلها المرعوبة
وجهها عبارة عن قناع بدائي أسطوري.
ثم هذه اللقطة المروّعة
بعدها هذه اللقطة الغربية
يتجوّل في ممرّ منير
كانت الكاميرا على الأغلب على اليسار ، بالقرب من أسفل الدرجات ،
ثم فجأة
أصبحت في الأعلى
لقطة مقتبسة من (د. جريفيث)
آيزنشتاين كان عاشقاً لـ (جريفيث)
عربة طفلها تتأرجح.
جسدها الميّت يدفعها
لتصبح بعدها مثل حصرم الكرز
تهوي في ميدان القتال
من الصعب إيقاف دقات قلبك خلال تسلسل مشاهد أوديسا الـ .
انها حالة من الذعر.
و هو بالضبط ما كان آيزنشتاين يطمح اليه.
أطلق على ما رأيناه للتو "مونتاج الإنجذابات".
عندما ننظر إلى تسلسل خطوات أوديسا على الشاشة ،
فإن مشهد الجيش الذي يدوس على الصبي يحرك مشاعرنا.
إنها تقفز من الشاشة إلينا.
رؤية عربة الطفل تحرك داخلنا.
المشاعر تنبعث من الشاشة نحونا
يتصادم الأمران في رؤوسنا ويخلقان فكرة البراءة
التي تذبحها دولة القيصر.
واحد + واحد = ثلاثة ؟؟
يقول آيزنشتاين إنه صعق عقل الجمهور.
( البارجة بوتيمكين ) عُرِض فيلم لأول مرة في هذه السينما
أنشأت في العام 1909 , واحدة من أقدم السينماهات في العالم
الفيلم عمل ضجة كبيرة في العالم أجمع
شارلي شابلن أحبّ الفيلم
هذه أغراض آيزنشتاين
أعجب والت ديزني بأيزنشتاين.
بعد 62 عامًا ، أشاد (براين دي بالما) بتسلسل خطوات Odessa الـ
في فيلمه الأمريكي العنيف The Untouchables .
نفس عربة الأطفال ، أم مذهولة.
لا نسمع صرخاتها , كما لو أن الفيلم كان صامتاً.
تعديل مختلف
لقطات قصيرة , كما فعل آيزنشتاين
خطر
سقوط عن الدرج الطويل
البعض يقول أن أفلام آيزنشتاين , تبرّر العنف
لكن حامل شعلته ، المؤرخ نعوم كليمان ،
المحاط بكتب أيزنشتاين ، يخالفهم الرأي .
" ما قدّمه آيزنشتاين من خلال فيلم (بوتمكين)
ليس مجرّد دعوة للثورة .
لقد كان تفسيرًا مبتذلاً للغاية في الثلاثينيات.
حول أن آيزنشتاين يعلّم كيف تصنع ثورة
بالنسبة له ، الأخوة هي قانون للوجود.
وهذا الفيلم هو نتيجة لفكرة السعادة
وكذلك الحياة السلمية.
ضد العنف
بالفعل .. الفيلم ضد العنف بكل أشكاله
و بخصوص الدعاية , فهي كانت رسالة للأخوة و ليست دعوة للعنف
إنسانية آيزنشتاين
إنسانية يصعب تفويتها حقًا.
اكتشف آيزنشتاين النزعة الإنسانية في مخرج سوفيتي عظيم آخر في العشرينات.
ذات ليلة ذهب إلى العرض الأول لفيلم هذا الأوكراني: ألكسندر دوفجينكو.
عند انتهاء الفيلم , آينزنشتاين قال , "يا أماه , ما الذي رأيته للتوّ "
هذا ما حدث في Arsenal فيلم دوفجينكو .
أحداث تقع في وقت معقد في التاريخ السياسي الأوكراني.
هناك حرب مندلعة
تقف النساء بلا حراك تحت أشعة الشمس في القرى الميتة.
يبدو الأمر كما لو أن النساء يمكنهن سماع أغنية الحرب داخل رؤوسهن.
يظهر ألمانياَ كأنه ممسوس بغاز الضحك
صورة مروّعة لجندي ميت, نصف مدفون, لكنه مبتسم.
إليكم أعظم مخرج روسي معاصر (ألكسندر سوكوروف) ، في فيلم (دوفجينكو).
كان يعرف كيف يثير المشاعر العميقة لدى جمهوره
أفلامه مثيرة للغاية و تخلق مناخاً مميّزاً
وكان صادقاً للغاية
أتذكّر المشهد الذي يظهر فيه رجلاً يسير على طول الطريق
في كل مرة يبدأ في الغناء
الغريب في الأمر أن الرجل ينهار فجأة
لماذا حصل ذلك ؟
لا أحد يعلم . إنه لغز
هذا هو السيناريو الأصلي لفيلم دوفجينكو Arsenal .
لا يزال موجود في معهد السينما , الذي درس فيه آيزنشتاين
في هذه الغرفة بالذات.
بعد وفاة (لينين), سرعان ما استلم ستالين الحكم,
وتوفي أيضًا تألق الإنتاج السوفيتي السينمائي.
سعى آيزنشتاين لخلق المزيد من التحف السينمائية.
الى أن مات في العام 1948
التحدي السابع لبريق هوليوود ،
للسينما الترفيهية الرومانسية في العشرينات وأوائل الثلاثينيات ،
أتى من عالم مختلف تمامًا.
العالم الطليق
اليابان
حاربت اليابان معظم دول العالم في ثلاثينيات وأربعينيات القرن الماضي ،
وبغطرستها ، قتلت الملايين.
و كتعويض ، عن حالة رعب ،
فقد قام صانعو الأفلام بتأليف أكثر الأفلام إنسانية في عصرهم.
تم تصوير الفيلم الأكثر تحديًا من قبل المتمرد اللطيف
الذي دفن في هذا القبر ، خارج طوكيو.
يأتي الناس من مختلف أصقاع الأرض ، كما فعلنا ، للمجيء إلى هنا.
و كما ترى يتركون الويسكي و النبيذ
لأن الشخص الراقد هنا كان سكّيراً.
لا يوجد أي اسم أو تاريخ ميلاد و وفاة على القبر.
فقط العبارة اليابانية (مو), أي العدم أو الفراغ .
لرجل المدفون هنا (ياسوجيرو اوزو)
كان فيلسوفاّ نوعاّ ما , لكن الأكثر أهمية,
أنه كان من أعظم المخرجين في العالم.
لا توجد لقطات لأي مقابلة لأوزو.
لم يتزوّج , لم يحصل على مهنة في مصنع و لم يدرس في الجامعة
بعد 30 سنة قام بصناعة الأفلام عن الحياة الحياة الهادئة للناس المتزوجين,
و عمال المصانع و التلامذة .
يُنظر إليه على أنه مخرج جاد للغاية ،
ومع ذلك فإن الفيلم الأول الذي ظهر فيه أسلوبه الناضج ،
this one, I was Born, But... [Otona no miru ehon - Umarete wa mita keredo]
هو أحد الأفلام الكوميديا الرائعة و المفعمة بالحيوية حول ولدين: إخوة.
العروض الطبيعية.
تم تصويره على حامل ثلاثي منخفض ، بطول الأولاد.
ينتقلان إلى ضاحية جديدة.
تهاجمهما عصابة الأولاد الموجودة هناك.
معركة إرادات في عالم الصبا.
الأخوة يظنان أن أباهما رجل رائع ,
لكن بعد أن يشاهدانه ضمن فيلم للهواة.
يقوم بالحماقات أمام رئيسه.
الذي يسعى
لإذلاله
ما يقلب حياتهما راساً على عقب
يدخلون في إضراب عن الطعام.
الناقد الأسطوري و صانع الأفلام Donald Ritchie:
"I was born, but..." فيلم صنع في العالم 1932
فيلم صامت و هي أفلام نادرة جدًا.
في الغالب كل ...أو بالأحرى 90% من الأفلام الصامتة
تُلِفت في اليابان نتيجة كوارث طبيعية : زلزال,
أو أسباب غير طبيعية كالإنفجار في طوكيو.
اوزو يقول بنفسه ان الفيلم كان مفروض أن يكون كوميدياً
لكنه أتى على على شكل سوداوي , يقول اوزو.
اذاً ، هذا الفيلم الغير عادي الذي يحكي الكثير عن المجتمع ،
عن الكثير من الأطفال ، والكثير من الآباء ، يكون فيه التوازن صحيحًا جدًا.
بالطبع , إنه تحفة سينمائية !
هذه واحدة من العديد من المفارقات في الفيلم هي أن الأولاد تأقلموا.
الأطفال تكيفوا مع كل شيء.
تكيفوا مع معدتهم الخاوية و تناولهم الفطور المعتاد .
تكيّفوا مع كون أباهم مغفل
تكّفوا مع كل هذه العوامل
بدأوا بالتكيّف مع عالم الكبار ,
الذي أخبرهم عنه والدهم بأنه مكان غير صالح للعيش
و هو الذي من المحتمل انهم لم يُسألوا عنه أبداً
هذا ما رأيناه هو ما تبقى من براءتهم.
لقد أصبحوا مجهزين للمجتمع الآن.
"أإذاً هو مفجع؟"
أجل ، لأن المجتمع لا يستحق كل هذا.
و (أوزو) يبدو أنه يريد إخبارنا
أن هذه البراءة المتمثلة بالأطفال,
ذات قيمة كبيرة ، وسيكون هذا أحد أسبابها الغير مستدامة.
اكتشف الأولاد ما كانت اليابان نفسها على وشك اكتشافه في الحرب العالمية الثانية.
أن الامبراطور هو رجل عادي جدّاً.
كان أوزو صاحب العرش العظيم.
على عكس (أكيرا كوروساوا) ، لم يكن يؤمن بالأبطال.
غير هوليوودي أبداً.
يرى الأولاد أن الناس محترمون فقط.
و أنّ الاستسلام وخيبة الأمل جزء من النضج.
أوزو بارع في تقديم ذلك الشعور عند النضوج ،
أو ما يسميه اليابانيون "أحادي الشعور"
الحزن على مرور
هذه (كيوغو كاغاوا), الممثلة اليابانية المشهورة,
التي عملت مع (كوروساوا), (ميزوغوشي), (ناورسي) , و (أوزو)
التي اشتهرت بظهورها في منتصف إطار اللقطة ، و بالكاد تنظر الى الكاميرا.
كاغاوا لعبت دور البنت البكر Tokyo story في أشهر أفلام (أوزو) .
في وقت لاحق من الفيلم ، تمرض الأم فتقوم الابنة بالتهوية لها.
هناك مشهد أظهر فيه و أنا أقوم بالتهوئة لأمي
التي أصيبت بحمّى
و كان عليّ أن أجعل يدي منخفضة لمراقبة الوقت
و قلت لها أنني ذاهبة لإصطحاب أخي
أوزو هو من طلب مني خفض يدي,
ثم النظر الى ساعتي , بعد أن أحرّك المبرّد
ثلاث أو أربع مرّات
لذا فعلت ما أمرني به
في ذلك الوقت كان لديه إيقاعه الشخصي المحدّد
مع ذلك أتذكر
أن موقع الكاميرا كان منخفضاً
كان يحاول عدم إظهار الأرض
وتصوير جزء من السقف
لإعطاء مظهر ثلاثي الأبعاد
قصة كاغاوا توصلنا إلى جوهر أوزو.
صنع فيلمًا لم يسبق لأي مخرج آخر أن فعل ذلك قبله أو بعده
كان من المعتاد في الثلاثينيات أن تكون الكاميرا في هذا الارتفاع.
يؤدي التصوير من ارتفاع الورك, بدلاً من ارتفاع الكتف,
إلى وضع الكاميرا في مركز ثقل الجسم ،
وبالتالي ، منح الصورة إحساسًا أفضل بالتوازن.
نادرا ما يحدث هذا في السينما.
Jeanne Dielman في السبعينيات ، كان الفيلم البلجيكي الرائد لـ (شانتال آكيرمان)
كان أحد الأفلام القليلة التي استخدمت ارتفاعات كاميرا (أوزو).
وكانت هذه مجرد بداية ابتكارات أوزو.
كما رأينا ، كانت خطوط عيون الممثلين في السينما السائدة على هذا النحو
لكن في أفلام (أوزو) كانت على هذا الغرار.
في الأفلام التقليدية عندما يتحدث الممثلون مع بعضهم البعض ،
عادة ما تكون الكاميرا في هذه الزاوية بالنسبة لهم ، حوالي 45 درجة.
كما رأينا ، كان هذا لجعل الأمر يبدو كما لو
كانت عيون الممثل متصلة عبر المسار.
وضع (أوزو) كاميرته مباشرة بين الممثلين ،
في المشهد عند 90 درجة.
لا يبدو أن الممثلين ينظرون إلى بعضهم البعض تمامًا ،
لكن من خلال تكوين الصور , يبدو و كأن الأمر يتطابق بصريًا.
كان أوزو مهتمًا جدًا بمطابقة لقطاته ،
سواء كانت من بشر أو ، على سبيل المثال ، من الداخل ، في منزل ،
ينظر إلى أسفل الممر.
كلما شاهدت أكثر ، كلما شعرت بتراتبية المسافات في أفلامه.
كانت إطاراته عبارة عن نوافذ على عوالم تصويرية متوازنة للغاية.
ويترتب على ذلك أن يكره (أوزو) الجسم البشري في كسر الإطار
لذا صور من مسافة بعيدة بما يكفي للتأكد من أنه إذا قام شخص ما ،
فلن يختفي رأسه هكذا.
واستخدم عدسات 50 ملم ،
بحيث لا تكون الوجوه أو المسافات منتفخة بشكل مفرط ،
كما يحدث مع عدسة 20 أو 30 ملم.
وأضاف وقفات في أفلامه.
هذا الإبريق الذي يغلي ، لا يمنح القصة استراحة فحسب ،
بل يمنح المشاهد أيضًا استراحة.
كما يضيف لحظة من الفراغ التركيبي.
أو الفراغ كما هو مكتوب على قبره (Mu) .
كان (أوزو) ، مثل فناني عصر النهضة ، مهتمًا بمحور
جسم الإنسان ، ومثل البوذيين ، في تفكيك الذات البشرية.
و بالنتيجة , كانت أفلامه بعيدة
عن الرومانسية العاطفية المتوترة لهوليوود.
كانت أفلامه الأكثر توازنا في تاريخ الفيلم.
من الصعب تخيل أي مخرج أمريكي يفلت من مخالفة قواعد
صناعة الأفلام تمامًا ، فكيف أفلت أوزو من ذلك؟
يكمن جزء من الإجابة في حقيقة أن نظام الاستوديو الياباني
كان في عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي ، بيد المخرج وليس المنتج.
هذه هي الغرف ذاتها في استوديو (توهو) حيث خطط المخرج المستقبلي ،
(أكيرا كوروساوا) ، في تصوير فيلمه المؤثر ، The Seven Samurai في خمسينيات القرن الماضي.
هذا الرجل قام ببناء بعض منصات التمثيل
استديوهات مثل هذه كانت بمثابة ما وصفه أورسون ويلز , بأكبر قطار في العالم.
أوزو ، لم يكن منتجًا ، و بالرغم من ذلك كان سيقوم ببعض اللقطات في مثل هذه الأماكن أيضًا.
كان (كينجي ميزوجوتشي) أحد المخرجين اليابانيين المبتكرين العظماء الذين عملوا في نفس الوقت مع (أوزو)
وبرزت أفضل أعمالهم في الثلاثينيات وما بعدها.
كان موقف ميزوجوتشي عصريًا و حديثًا.
لقد هاجم غطرسة اليابان ، ولا سيما الإدعاءات النبيلة للساموراي
وركز بدلاً من ذلك على النساء اليابانيات
اللواتي يعشن حياتهن في البؤس.
هذا الفيلم ، على سبيل المثال ، يدور حول أياكو ، عاملة هاتف ،
تم إجبارها لأسباب مالية على ممارسة الدعارة
وتم توظيفها كـ(غيشا). (غيشا: امرأة مدربة على تقديم خدمات متعة للرجال)
كان الموضوع شخصيًا جدًا بالنسبة لـ(ميزوجوتشي).
حيث ترعرع في فقر مدقع وبيعت أخته لمنزل للغيشا.
الملفت هنا هو جرأة انطلاق المشهد.
تظهر (أياكو) في مقدمة اللقطة ، بينما تظهر حركة في الخلفية البعيدة للشاشة.
كان هذا التدريج نادرًا جدًا في ذلك الوقت ,
وأتى قبل 5 سنوات من عرض (اورسن ويليس) Citizen Kane المماثل في
الصبي ، كين ، في الخلفية البعيدة
لكن لا يزال ضمن نطاق التركيز ، يمر بتجربة طفولة شاعرية
تحت الثلج, سيتذكرها على فراش الموت.
تمت الإشادة بالجرأة البصرية للأخير ، لكن (ميزوغوتشي) توصّل إلى هذه اللقطة أولاً.
عملت (كيوكو كاغاوا) مع (ميزوغوشي) في وقت لاحق ، في الخمسينيات من القرن الماضي.
Chikamatsu Story في فيلمه, , [Chikamatsu monogatari]
تلعب دور (أوسان) ، وهي متزوجة من زوج أُبّهة.
في هذا المشهد يعتقد أنها على علاقة غرامية ،
لذلك يقول لها إنها يجب أن تنتحر.
لحظة مدمرة.
في السينما الرومانسية ، كان من الممكن تصويرها عن قرب مع إضاءة ساطعة.
لكن ميزوغوتشي فضّل الإبتعاد عن المشاعر المكنونة ،
داخل كاغاوا ، لذلك أخفى وجهها المذهول.
بدلاً من البكاء معها ، نشعر بالاستياء الأخلاقي في محنتها.
Chikamatsu Story زوج كاغاوا في فيلم فظيع من حيث الشخصية ,
(أوسان) تهرب مع رجل آخر يدعى (موهاي).
عُرف ميزوغوتشي بأنه مخرج مناصر للمرأة ،
وتشعر كاغاوا أنها تعلمت الكثير من أجله ، خاصة في هذا المشهد.
بالعودة إلى الثلاثينيات من القرن الماضي ، أنهى (ميزوغوتشي) قصة عاملة الهاتف أياكو
على الجسر ، تفكر في الانتحار
لأنها وُصفت بأنها امرأة جانحة.
إنها لحظة أساسية في قصة الفيلم.
بعد ما يقرب عقد من الزمن ، في فيلم أمريكي بعنوان Mildred Pierce,
تجد جوان كروفورد نفسها على جسر مشابه ،
وهي تفكر في مصير مماثل.
و بما أنّ هذه سينما هوليوود الرومانسية ،
فقد تم تصوير محاولة الانتحار بشكل جميل.
وجهها منحوت في الضوء وتركيز ضحل موجّه على عينيها.
سيستغرق الأمر ما يقرب من عقدين قبل أن تكتشف
السينما الرومانسية في الغرب إنجازات ميزوجوتشي
وإنجازات أوزو ، إذا جاز التعبير.
واحدة من أعظم السهوات في تاريخ الفيلم.
البديل الثامن والأخير للسينما الغربية السائدة
في أواخر العشرينات والثلاثينيات, يأتي من هنا: الصين.
في عام 1931 ، غزت اليابان الصين بوحشية.
الحياة صعبة بالفعل بالنسبة لمعظم الصينيين ،
لكن الحرب التي تلتها شهدت وفاة 13 مليون شخص.
ومن هذه اللحظة بالذات ، دخلت السينما الصينية تاريخ الأفلام.
تواجدت الأفلام الصينية منذ العقد الأول من القرن الماضي ,
و هذه هي أزياء الفترة النموذجية . زهرة القزحية ، التي تستخدم كما في هوليوود ،
للدلالة على أن الخاطب قادم من فوق السطح.
لكن في أوائل الثلاثينيات من القرن الماضي ، طوّرت الصين نوعًا من السينما الواقعية اليسارية
التي تحدّت خيال هوليوود ، وفي مشهد كهذا ،
استخدمت زوايا الكاميرا المبتكرة والرمزية لإظهار كيف يغري بعض الرجال النساء حقًا.
مدينة (شانهاي), باريس الشرق.
واحدة من أكثر المدن عالمية في ذلك الوقت ،
التي خلقت هذا التحدي.
ظهرت استوديوهات الأفلام ، وبرز مخرجون عظماء ،
وصُنع نجوم سينمائيون.
الأعظم في ما بينهم، كانت هذه المرأة ، (روان لينجيو)
التي غالبًا ما يسميها الصينيين (غريتا جاربو) الصين.
هنا ، تظهر بدور الأم العزباء التي تحضر أداء ابنها المدرسي.
تقع روان بضائقة مالية للغاية لدرجة أنها اضطرت لبيع جسدها
لدفع تكاليف تعليم ابنها.
لقطة تتبع رائعة تظهر همسات النميمة.
عندما تسمع المدرسة عن دعارتها ، فإنها تتجنبها ، وتُسجن.
النساء على وجه الخصوص إقتدَين بـ(روان).
في أغلب الأحيان, كانت أفلام روان تصوّر في شوارع شنغهاي الخلفية كهذه.
على الرغم من أن تلك اللقطات يتم إعادة تصويرها عادةً في مواقع أفلام شنغهاي مثل هذه.
يقول الناس أن التمثيل الواقعي بدأ مع مارلون براندو في أمريكا ،
لكن انظروا إلى روان هنا ، ضجرها ، إيماءاتها البسيطة ، لغة جسدها.
كان هذا قبل عقود من براندو.
عندما لعبت (ماجي تشيونغ) دور روان Center Stage في فيلم ،
جعلها المخرج (ستانلي كوان) تكرر هذا المشهد الشهير.
New Women, [Xin nü xing] في هذا الفيلم , لعبت روان دور ممثلة حقيقية
انتحرت بعد أن طاردتها الصحافة.
وإليك بداية هذه القصة.
شوّهت صحف شنغهاي القديمة سمعة روان
لأنها كانت فتاة عصرية وواقعية في مدينة الجنس البراق والرخيص.
رداً على ذلك ، تناولت روان جرعة
زائدة ، مثل الشخصية التي لعبتها
وتوفيت في عام 1935 ، عن عمر يناهز 25 عامًا.
انتحرت ثلاث نساء بسبب ذلك.
وصفتها الصفحة الأولى في نيويورك تايمز
بأنها "أروع جنازة جماهيرية في القرن".
اليوم ، تظهر روان في معظم موسوعات الأفلام تقريبًا.
في العقود القادمة ، ستبني شنغهاي ،
مدينة الجنس والسينما ، من دروس ماضيها ،
وأزقة أفلام الثلاثينيات العظيمة ،
لتصبح ديزني لاند الاستهلاك الرأسمالي.
أصبح شيئًاً مشابهاً لمواقع تصوير الأفلام .
وبحلول الأربعينيات ، تحوّلت من نتوء صغير
قبالة الساحل الجنوبي الشرقي من البر الرئيسي ,
الى مركزًا جديدًا لصناعة الأفلام الصينية في الجنوب.
أصبحت في ما بعد تسمّى بـ (هونغ كونغ)
وهكذا نصل إلى نهاية حقبة من الفيلم.
بالنظر إلى السنوات ما بين أواخر العشرينيات وأوائل الثلاثينيات من القرن الماضي ،
نرى من الواضح كم أنها كانت مبهرة ،
وربما أعظم فترة في قصة الفيلم بأكملها.
كانت وقتًا للسينما الخيالية وبدائلها الرائعة.
كانت الأفلام عالية الجودة
كان ينبغي لهذا التوتر السامي أن يستمر إلى الأبد.
لكن هناك شيء واضح لم نذكره بعد.
لم نسمع صراخ (دوج).
لم نسمع صوت (فالكونيتي).
لم نسمع صراخ ضحايا سيزار في الليل.
قد تركت هذه المشاهد انطباعًا كبيرًا داخلنا ،
ولكن ليس كما تفعل الأشياء في العالم الحقيقي.
لأنها بكل بساطة , كانت "صامتة" .
أو كما سمّتها فرنسا "السينما الصماء".
في العالم 1928 , كانت صناعات السينما في كل العالم على موعد مع خضة تهزّ أساساتها
جون فورد أسماها " زمن الذعر القريب"
كل شيء رائع في الأفلام حتى الآن كان مرئياً
حتى ظهر فجأة ً إرهاب ...
" الصوت"
: ترجمة وتعديل و تدقيق باسل رامز قطيش